• Disociación del color y la forma para yuxtaponerlos, haciendo necesaria una selección a modo de síntesis .Si el Cubismo rechaza una visión real del objeto también rechaza su colorido real. En el color se valora más el tono que el color. La gama cromática es pobre y apagada; se manejan ocres, grises, blancos, negros, azules y algunos toques de otros como verdes. La impresión que causa es de monocromía.

• Hay un culto por el objeto fijándolo en su permanencia. Interesa la forma de representarlo pero no lo que ese objeto significa en sí mismo.

• Hay también un rechazo del movimiento como desnaturalizador. El movimiento no debe hallarse en el objeto sino en el espectador que lo ve desde diferentes puntos de vista a su alrededor.

• Hay una absoluta primacía entre línea y forma (lo inteligible para el Cubismo), sobre el color y la luz (sólo lo sensorial para este movimiento conceptual e iconoclasta cromático). La línea es muy importante, ya que con ella se construye el cuadro, delimita los planos y sugiere algunas formas. Son líneas rectas, a veces, compensadas por algunas curvas, predominantemente horizontales y verticales, aunque también hay diagonales, y su intersección genera ángulos precisos. Su trazo es grueso y nítido. La luz pasa a ser un elemento auxiliar del pintor para hacer vibrar unos planos sobre otros, no se estudian fuentes luminosas de ningún tipo.

• La cuestión del volumen es un tanto compleja, en un principio la geometrización de las formas potenció la sugestión del volumen, sin embargo después, la proliferación de planos y la multiplicación de puntos de vista desintegrará las formas y los aplanará. Este efecto se incrementa con la utilización de planos “transparentes” que crean una cierta confusión en la lectura a la hora de establecer cuales son los llenos o los vacíos. También incide en esto la progresiva integración de figura y fondo: el Cubismo hace desaparecer la tradicional diferenciación entre estos dos elementos. 

• Hay un retorno a la composición con factura impersonal, donde la mano del pintor no define dicha composición. Se intenta la composición despersonalizada y para ello se llega a recurrir al Collage. La factura pasa a ser un elemento secundario, aunque en este caso suele ser de pincelada corta, algo ancha, rectilínea, dispuesta paralelamente entre sí y casi siempre en relación con los planos que delimitan las líneas. 

• El pintor ya no sale al aire libre, como en el Impresionismo para buscar temas nuevos, sino que se pinta la primera cosa que se encuentra en el taller, el tema más frecuente es el de las naturalezas muertas o bodegones, y a veces con alguna figura humana, pero en realidad las figuras y los objetos son meros pretextos para crear algo nuevo. Su estilo de composición obliga a temas más o menos familiares y fácilmente reconocibles por el espectador, para poder relacionar los diversos fragmentos de la visión y comprender las relaciones entre las diversas partes del mismo.

Se reivindica así el carácter bidimensional del cuadro, la importancia del plano pictórico como superficie en la que se crea una nueva realidad, en ella las líneas oblicuas sugerirán una cierta profundidad y las curvas el volumen. Es una pintura que no rompe con la figuración a pesar de que la descomposición de los objetos la acercó mucho a la abstracción.

Por todo lo dicho se ve que el Cubismo participa de características clásicas (estatismo, permanencia, tendencia a la generalidad, intelectualismo) frente a las maneras más instintivas y desordenadas de los movimientos anteriores.

    Puede decirse que el movimiento se inicia con las Señoritas de Avignon (1907) de Picasso, quien mantiene relación con Braque y con quien en 1908 forma el grupo de Bateau-Lavoir, en reunión de otros pintores y poetas. Las Señoritas de Avignon, su primera obra cubista e influida por Cézanne y por el arte negro. En dicha obra aparecen las formas geométricas, como talladas a cuchillo y con diferentes puntos de vista simultáneos. La mesa de abajo se ve desde arriba y las señoritas desde el mismo nivel, es decir, de frente. Las uvas son un elogio a Cezanne. La señorita de la derecha está de espaldas al espectador pero nos mira de frente. Hay en dicha obra una influencia clara de las máscaras negras africanas, en la cara de arriba a la derecha, por ejemplo. En la obra se niega la profundidad, todas las figuras están en un mismo plano.

     Nació en Málaga en 1881. Su padre era pintor. Sus diez primeros años transcurrieron en Málaga. Más tarde se trasladaron a La Coruña, donde el padre recibió una oferta de trabajo que mejoraba su situación en Málaga. En 1895, por motivo de trabajo, se trasladó a Barcelona, donde se presentó al examen de ingreso en la Escuela de Bellas Artes “La Lonja”. Su primer cuadro lo realiza en 1895: La primera comunión. Después se trasladó a Madrid donde entró en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

En 1899 regresa a Barcelona frecuentando los círculos artísticos como Els Quatre Gats, cervecería donde se reunían pintores importantes como Isidro Novell o Santiago Rusiñol. 

La capital artística del momento era París, adonde se dirigió para conocer las principales novedades, interesándose fundamentalmente por la obra de Toulouse–Lautrec, Degas, Cezanne. Sintió una gran atracción por los ambientes nocturnos. 

Etapa azul. El suicidio de su amigo el poeta Casagemas y las grandes dificultades económicas, marcaron el final de una etapa de iniciación y el principio de un nuevo periodo llamado azul. Pintó varios cuadros sobre la muerte de Casagemas. En este periodo predomina el azul, color que es apropiado para expresar el dolor, el sufrimiento. El azul se convierte en básico y distintivo de sus cuadros durante cuatro años (1901–1904), durante los cuales vive míseramente, sumido en la pobreza y el dolor. Los personajes que protagonizan su obra son ciegos, mendigos, gentes infelices. Son figuras representadas en solitario que tienden a la estilización para acentuar la sensación de soledad y angustia.

Etapa rosa. Comienza en 1904. Picasso recupera muchas de las ilusiones perdidas y muestra una especial predilección por los personajes circenses que protagonizarán muchas de sus obras. En este momento vuelve a Francia por cuarta vez, conoce a Fernande Olivier con la que convivirá durante un tiempo. Pinta La mujer de la corneja, en la que el azul va perdiendo importancia, quedando relegado al fondo, a favor del ámbar. Este cuadro representa la transición hacia el periodo rosa, lo mismo que Artistas. Sigue existiendo la melancolía pero impregnada ya de una cierta dulzura. Las figuras empiezan a perder sus perfiles agudos y se tornan más redondeadas y suaves. La familia de saltimbanquis (1905) y El equilibrista de la bola (1905), son claros exponentes de la pintura de la etapa rosa.

Estas dos etapas pueden considerarse dentro del estilo Fauvista, por el uso independiente el color.

El nacimiento del cubismo (1907–1917). La transición del periodo rosa al cubismo supone en la obra de Picasso una profunda ruptura que se inicia con su propio Autorretrato y Las señoritas de Aviñón. En 1906 se produce un hecho decisivo. Picasso visita Barcelona, y un prostíbulo de la calle Avinyó (en Barcelona) le depara el tema para un cuadro que años más tarde sería bautizado por A. Salomon con el título Les demoiselles de Avinyó (Las señoritas de Avignón). Es su primer cuadro cubista. En la obra de Picasso, los cuerpos de las mujeres han sido reducidos a simples elementos indispensables, se han geometrizado y simplificado. Las posturas son imposibles: una de ellas sentada de espaldas, en primer plano, mira al espectador de frente, con un rostro que parece una máscara africana, otra de las fuentes fundamentales para Picasso. La luz ilumina por igual todo el cuadro al tiempo que se combina la visión de frente con la de perfil. Este cuadro es un intento de romper con todo lo que se había hecho hasta el momento. A partir de este momento, y por un periodo que se prolonga hasta 1917, Picasso milita en esta tendencia.