Un grupo amplio y heterogéneo, como era normal en el arte del siglo XX. Artistas que militan en corrientes y movimientos, pero que luego tienen pocos elementos en común. Podemos decir que casi les une una sola cosa: su necesidad de expresión y su carácter espiritual. Se definieron a sÍ mismo como profetas cuyo objetivo era regenerar la pintura, hacer algo nuevo y diferente.
Para ello tomaron como modelo la forma de vida y de trabajo de algunos grupos del siglo XIX como los pintores prerrafaelitas (grupo inglés) y los pintores nazarenos (alemanes). Estos dos grupos determinaron vivir en comunidad, como monjes, dedicándose a una pintura de asuntos religioso y simbólicos. Los pintores nabis, siguiendo el modelo, fundan una hermandad cuyo fin primordial es el amor a la belleza. Pero en un momento dado todos los miembros derivan hacia el catolicismo y van a convertir esa hermandad en una comunidad religiosa. Como si de una hermandad mística se tratase adoptaron la parafernalia de una sociedad secreta: se ponían trajes orientales, se escribían cartas en un lenguaje arcaico, se bautizaron con apodos apropiados (Sérusier era en “nabi à la barbe rutilante”, Denis el “nabi aux bellles icônes”...)
Dejando de lado las parafernalias, que en parte eran medio en broma medio en serio, tenían concepciones teóricas muy reflexionadas. Fue Marurice Denis, teórico del grupo, quién formuló la lapidaria frase: "Recordar que un cuadro antes de ser un caballo de batalla, una mujer desnuda o una anécdota cualquiera es esencialmente una superficie plana recubierta de colores dispuestos con un cierto orden", que publico en 1980, en Art et Critique.
Siguiendo esta nueva concepción y extrapolándolo al simbolismo literario, Albert Aurier, joven crítico de arte y pintor, exaltaba las cualidades de la pintura decorativa y simbolista de Gauguin: "A los ojos del artista, en efecto los objetos no pueden tener valor en cuanto a objetos. Sólo pueden aparecerle en cuanto a signos. Son las letras de un inmenso alfabeto que sólo el hombre de genio puede deletrear. Escribir su pensamiento, su poema, con estos signos, recordando que el signo, por indispensable que sea, no es nada en sí mismo y que la idea es todo, tal parece por tanto la tarea del artista." (Le symbolisme en peinture, Aurier 1895)
En sus primeros intentos se trataba de pequeños formatos, pinturas casi planas y abstractas, con el color puro como medio de plasmar las sensaciones del alma en el lienzo. La obra más emblemática de este movimiento, el talismán, fue realizada siguiendo el modo de trabajar la pintura del postimpresionista Gaugin. Van a aglutinar en sus obras influencias de otros autores anteriores: Paul Gaugin, Paul Cezanne, Degas, de la estampa japonesa y el arte oriental en general. Pero también evidentemente influencias del modernismo, puesto que son pintores vinculados a esta corriente y a su arquitectura.
Desde el punto de vista estético conceptual, se relacionan con el simbolismo, una corriente muy en oposición al naturalismo y al positivismo, dos corrientes que inspiran otros muchos movimientos artísticos.
Quieren una simplificación de las formas, de la representación y una vuelta a lo primitivo, a lo ingenuo. Tomando en este caso como maestro las enseñanzas de Paul Gaugin (su primitivismo). Quien escribe a su amigo Monfreid en una de sus últimas cartas: "Usted sabe desde hace tiempo lo que yo he querido establecer: el derecho a atreverse a todo. Mis capacidades no han dado un gran resultado, pero no obstante la máquina está lanzada. El público no me debe nada porque mi obra pictórica solo es relativamente buena pero los pintores que hoy día se benefician de esta libertad me deben algo". Fue sin duda un gran visionario, un "profeta de la modernidad" que intuyó el gran paso que había dado el arte, seguramente no se percató que él mismo, con su propia obra, sí había conseguido un resultado que lo encumbraría como uno de los padres (junto a Cézanne y Van Gogh) de la pintura moderna y por tanto iniciador de las primeras vanguardias pictóricas del siglo XX.
 |
| 1888 Paul Gauguin- Visión después del sermón |
Para los pintores nabis el arte no tiene que ser una imitación de la naturaleza. Debe ser ante todo un medio de expresión de sentimientos. Y por esa razón el tema, lo que se represente, no va a ser más que una mera excusa. El tema no es lo importante. Y la función del artista es transformar todo en belleza. Lo que recuerda al modernismo. Esa belleza tiene un fuerte componente decorativo. Todas las ideas quedan recogidas y se difunden a través de las revistas modernistas
Revue Blanche. Ya vimos esta revista como medio de expresión de los artistas modernistas. Arte y crítica, donde los pintores nabis no sólo escriben sino que también incluían ilustraciones, incorporaban dibujos, reproducciones de algunas de sus obras… Texto y elementos ilustrativos.
Definición que desemboca al arte abstracto. Relativiza el tema convirtiéndolo en algo secundario y prescindible porque dice que lo que importa es trabajar con los recursos específicamente pictóricos, con los colores y el plano en este caso. Es el germen de la pintura del siglo XX. Esto tiene su origen en la pintura impresionista: lo que importa no es el tema, sino captar la primera impresión. Se podría decir que fueron los primeros "fauves", los primeros expresionistas, y los primeros pintores abstractos, de ahí la importancia del movimiento.
En los Nabis concurrieron dos corrientes bien diferenciadas:
-Aquellos que estaban imbuidos por filosofías espirituales (teosofía, cristianismo, catolicismo y esoterismo) como Paul Sérusier, Maurice Denis y Paul Ranson que se alejaban del mundo moderno para representar escenas religiosas pero con un simbolismo arcaico. Tendencia espiritual o simbólica:
Cercana a las ideas de Gaugin, vuelta a lo primitivo a los orígenes, mirada a la edad media. Estilo cloisonne cercano a la manera de trabajar de Gauguin. Se aplica a diferentes ámbitos del arte: cerámica, vidrieras, pintura… y consiste en pintar con grandes superficies de color plano delimitadas por una línea negra. Como si se tratara de una vidriera.
La "deformación subjetiva", afirmaba que "las emociones o estados del alma provocados por un espectáculo cualquiera suscitan en la imaginación del artista unos signos o equivalentes plásticos capaces de reproducir esas emociones o estado del alma sin necesidad de reproducir el espectáculo visual. Es por ello que se permiten estas exageraciones del color y de la fisonomía.
Temas: bretaña, edad media, bíblicos
Mezcla de simbolismo y romanticismo
Vuelta al primitivismo y simplificación
Amplias superficies de color plano
-Aquellos como Pierre Bonnard y Edouard Vuillard que plasmaban escenas callejeras e interiores, a los cuales no les preocupaban sus especulaciones abstractas sino sus propias sensaciones pero a través de las imágenes observadas del natural. Tendencia decorativista: Cercana al impresionismo y a la última etapa de Degas. Interés por la estampa japonesa y el arte oriental. Atención a los motivos decorativos, es una pintura esencialmente decorativa. La obra de estos artistas afecta además al medio gráfico, produciendo carteles, vidrieras, objetos de decoración, estenografías, papeles pintados… su ámbito de intervención es muy amplio y muy variado. El segundo principio "deformación objetiva", que imponía al artista la necesidad de una "composición decorativa, estética y racional" lo cual le obligaba a "trasponerlo todo en belleza".
Temas: interiores burgueses intimistas
Enfoques cambiantes y perspectivas en altura
Iluminaciones artificiales
Sin embargo, ambas tendencias tendían hacia ese aspecto trascendente y expresivo y al mismo tiempo decorativo. En definitiva, una forma de abordar los objetos y los seres cotidianos que sugiera solamente para mostrar un estado del alma. Como expresaba Mallarmé "el placer de adivinar poco a poco; sugerirlo, ése es el sueño" o como resumía el propio Gauguin, "La poesía comienza donde nace el misterio".
Tendencia espiritual o simbólica:
PAUL SERUSIER (1884–1927)
Artista de la línea simbólica. Fue el único discípulo directo del pintor Paul Gaugin (vemos autorretrato 1889, técnica cloiseonne). Todos eran alumnos de la escuela de Bellas Artes que no estaban de acuerdo con los principios estéticos aprendidos. Buscan un espacio donde poder hacer un tipo de pintura diferente. Se va a sumar a los ensayos y prácticas del pintor Gaugin que quedan reflejadas en muchas de sus obras. De él va a aprender los fundamentos del simbolismo. Y siguiendo sus indicaciones, en 1888, va a realizar la que se considera la primera obra Nabis, fuerte contenido simbólico y sintético.
 |
| 1888 Paul Serusier- El talismán |
Paisaje absolutamente sintético que junto con los estudios de Denis fue considerado origen de la pintura Nabis. Pero también precedente del expresionismo pictórico y de la pintura abstracta. Es una caja de puros. Pero antes que el paisaje lo que importa son otros elementos: la aplicación del color y su distribución en grandes manchas para conseguir diferentes efectos ópticos, distintos contrastes, para articular la presencia de la luz. Trabaja con cuatro colores: amarillo, ver, azul y naranja. Lleva a cabo una autentica audacia de color para la época, con formas absolutamente simplificadas. El tema ya no es el protagonista.
 |
| 1891 Paul Serusier- Eva Bretonne o Melancolía |
Las transiciones de color, el contraste de todos, la luz… vuelven a ser protagonistas. Figura humana de carácter simbólico. El color es más apagado que en la obra anterior, con diferentes gamas de amarillos y de ocres, pero el concepto es el mismo.
 |
Paul Serusier -Solitude, Huelgoat Landscape
|
 |
1891 Paul Serusier- El bosque
sagrado
|
 |
1890 Paul
Serusier- Retrato de Paul Ranson
|
 |
| Paul Serusier - La source |
 |
| Paul Serusier - Eva |
 |
Paul Serusier- The youth of
queen Anne
|
 |
| Paul Serusier- Fiesta de la cosecha de la manzana |
MAURICE DENIS (1870–1943)
Tuvo una producción limitada porque practico la pintura, pero fue el principal teórico del grupo. Dedico menos tiempo, menos energías que el resto de los pintores a la producción de pintura. Pero en cualquier caso, es un autor que produce obras muy diversas y diferentes entre sí, en algunas pone su acento en el uso del color, otros la línea, temas diversos… Pero sierre intención de innovar.
 |
1893 Maurice Denis- Las musas
|
Muy influenciada por el modernismo. Figuras estilizadas, un mayor sentido decorativo, una mayor presencia de la línea pero son pinturas dentro de esa tendencia simbólica, son obras atemporales que no persiguen la plasmación de una realidad inmediata y obras en las que los personajes figuran con rostros estereotipados, con formas idealizadas… todo ello con una gama cromática muy armoniosa, muy cuidada. Sutiles transiciones.
 |
Maurice Denis- La Bretagne, Regates en Parros-Guirec
|
 |
1894 Maurice
Denis- La visitación
|
Temática religiosa (vimos como era un grupo religioso), pero presentado de una manera atípica, porque sin el titulo es difícil adivinar que nos encontramos ante una escena evangélica. Es una mayor asepsia. Acento en el frente de flores, la celosía… Resulta un tema descontextualizado para lo que la pintura tradicional nos tiene acostumbrados. Por otro lado las figuras están representadas desde un punto de vista bajo, por lo que hay una superioridad de los personajes y adquieren todo el protagonismo de la escena.
 |
1892 Maurice
Denis- En la playa
|
 |
| Maurice Denis- Paisaje con árboles verdes |
 |
Maurice Denis- Formas de luz del sol
en la terraza
|
Técnica claisoné. Una técnica que estos pintores asimilaron de la obra de Gauguin. También es muy gauginiana esa síntesis de las formas. Se trabaja no con un detalle en la representación sino a base de formas sintéticas. Y como el titulo indica: no importa el qué (tema) sino de qué manera se representa. Desde finales del siglo XIX comienzos del XX esto es lo importante, el cómo. Una vez más el tema es una escusa.
 |
1908 Maurice Denis- Psyches kin bid her farewell
on a mountain top
|
 |
Maurice Denis- Mujeres Santas
|
 |
1894 Maurice Denis- La dame au jardin clos
|
 |
1907 Maurice Denis- Baco y Ariadne
|
Paul Ranson (1864-1909)
 |
Paul Ranson- La
habitación azul
|
 |
Paul Ranson-
|
 |
Paul Ranson- Diana
|
 |
Paul Ranson- Eva
|
 |
Paul Ranson-
The Clearing
|
 |
| 1900 Paul Ranson- Three Bathers among the Irises |
 |
Paul Ranson- Les
Sorcières
|
 |
Paul Ranson- Desnudo
con león
|
 |
| Paul Ranson, The Faun and Spring or Nymphs in a Clearing surprised by a Faun |
.jpg) |
1891 Paul Ranson- Les Sorcières autour
du feu
|
 |
1897-1898 Paul
Ranson- Sorcery
|
 |
Paul Ranson-
Nude Laying on Her Back in a Clearing
|
Fue un pintor y grabador de origen suizo, miembro del grupo de los Nabis, fue asiduo en las subastas de arte y su producción cuelga en los más reputados museos.
 |
Félix Vallotton-
The Source
|
 |
Félix Vallotton- Bañista
|
 |
1913 Felix Vallotton- La blanca y la
negra
|
 |
1919 Félix
Vallotton- Landscape at sunset
|
 |
1919 Félix
Vallotton- Sunset
|
 |
Félix Vallotton- Mujeres con gatos
|
 |
1905 Félix Vallotton- El Baño
|
 |
1896 Félix Vallotton- Dama y criada
bañándose
|
 |
Félix Vallotton- Mujeres en la playa
|
.jpg) |
Félix
Vallotton-Interior with Couple and Screen
|
Henri-Gabriel Ibels (1867-1936)
Fue un ilustrador francés, grabador, pintor y autor. Él estudió en la Académie Julian con Pierre Bonnard y Édouard Vuillard y fue miembro de Les Nabis desde su fundación 1889. Ibels participó en exposiciones Nabis en Le Barc de Boutteville galería. Con Vuillard y Maurice Denis que pronto llamó la atención del público y se ganó el apodo de 'le Nabis journaliste ".
Sus imágenes eran poderosas y muy gráficas, de acuerdo con el movimiento que era una generosa mezcla de arte, diseño gráfico y publicidad, como se ve en las litografías y carteles de teatro, cabaret, y la ilustración de libros. Ibels sacó su inspiración de la vida en la calle, cafés, la pista del circo y el boxeo.
 |
Henri-Gabriel
Ibels- Au
café-concert
|
 |
1893
Henri-Gabriel Ibels- En el circo
|
 |
| Henri-Gabriel Ibels- Escena de circo |
 |
1892-1893
Henri-Gabriel Ibels- El Teatro Libre
|
Otros Pintores:
 |
George Lacombe
|
 |
| Aristide Maillol |
 |
1907 Ker-Xavier
Roussel- Summer on the Mediterranean
|
Tendencia decorativista:
Pierre Bonnard (1867–1947)
Pintor que paso unos años en Bretaña vinculado a ese grupo de artistas cercanos a Gauguin, pero el adopta otra línea pictórica. Inicia la carrera de derecho, pero a raíz de vender un cartel para un anuncio de champán (anuncio de champagne 1891) determina que su vocación es el arte.
En el cartel trabaja con recursos del momento, plenamente modernista, muy cercano a los que se realizaban en ese momento: Lautrec. Función: anunciar, promocionar, divulgar y era necesario que tanto su mensaje como los elementos gráficos pudieran ser vistos a una distancia considerable. Por eso, la mayor parte están realizados con colores planos para no emborronar la imagen. Colores llamativos, intensos. Formas planas y formas muy simplificadas. Acompañado de grafías, tipografías. Hay lazos con el modernismo: el trazo de la línea que tiene distintos grosores, en algunos momentos trazo sólido y grueso, en otros, se adelgaza y se vuelve sutil, caso hasta desaparece. Por otro lado, estamos en el dominio del arabesco, esa línea continua que no se corta ni se quiebra, que discurre en zigzag, recorridos sinuosos a lo largo del todo el dibujo. Composiciones dinámicas.
Sobre todo trabaja temas de interior. En este sentido va a seguir las directrices del impresionismo, y concretamente de Degas. Temas carentes de trascendencia, a lo que se suma Bonnard. Pero también va a realizar retratos. Comienza pintando con una paleta de tonos suaves, paleta que poco a poco adquiere una mayor intensidad, un mayor contraste, se va a ir enriqueciendo. Trabaja con una pincelada bastante suelta: manchas de color de pequeñas dimensiones, masas densas de pintura y creando esa impresión de imagen un tanto descompuesta. La línea para el ocupa un lugar secundario.
Por otra parte aplica manchas de color blanco para conseguir luz en la superficie. A ello se añade el interés de este pintor por lo decorativo, por tanto es muy frecuente que sus fondos, las paredes, las telas, los sofás… incorporen elementos decorativos que enriquecen la visualidad de la imagen.
Van a conseguir una síntesis de influencias:
-Estampa japonesa. Se va a concretar en el uso de una perspectiva en altura, uso de colores planos (lo que hace perder tridimensionalidad) y de composiciones desmembradas y composiciones en las que el centro de la pintura puede quedar a lo mejor vacío.
-Impresionismo: temas cotidianos. Y especialmente los temas que trabajaba Degas.
-Decorativismo modernista.
-Influencia de la fotografía. Influencia que se aprecia en la instantaneidad con los que están concebidos muchos de los temas, encuadres recortados y también por el uso de algunas composiciones originales: puntos de vista singulares.
 |
1897 Pierre
Bonnard - El almuerzo de las niñas
|
Tema intrascendente: dos niñas comiendo, algo absolutamente cotidiano. Sorprendidas: ajenas a la presencia del pintor. Punto de vista elevado, la obra esta cogida desde un picado. Influencia de la fotografía. El elemento mas importante: la lámpara y la luz. No solo centra sino que se convierte en el eje. Y además la luz que se concentra en el centro crea reflejos, brillos… es el elemento protagonista. Estampa japonesa: perspectiva en altura. Es una perspectiva forzada, que eleva artificiosamente el suelo, y parece una pared, creando un choque, porque la perspectiva de la mesa es lineal, y esta en desacuerdo con la perspectiva en altura del suelo. Incongruencias buscadas, ¿por qué tiene que ser siempre la tradicional? Están cuestionando la tradición en la teoría pero también en la práctica.
 |
1900 Pierre
Bonnard - Mujer con medias negras
|
Tema plenamente degasiano: Degas en su ultima etapa vive solitario, y se inclino por el tema de alcobas, de mujeres (Baño matinal, La tina, mujer peinándose el cabello). Y Bonnard repite algunos de esos temas, en escenas de baños con desnudos de mujer, con un primer plano bastante intenso y con ese carácter decorativista que se aprecia en las telas y en el elemento mobiliario. La protagonista: a contraluz. No es un retrato, no importa ella. Tonos ocres y dorados que le dan un aire cálido.
 |
1913 Pierre Bonnard - El comedor
|
Su color con el paso del tiempo se va haciendo más alegre, más vibrante. Dos técnicas diferentes: dentro (superficies amplias de color), paisaje (técnica más de pequeñas manchas, puntos, mayores vibraciones atmosféricas). Bodegón en primer término.
 |
1899 Pierre Bonnard - Bajo la luz de la lámpara
|
Tema intrascendente, punto de vista alto.
La luz es protagonista, pero… hay tres mujeres, una en contraluz y de las otras dos no vemos el rostro. No es interesante ni ellas ni lo que hacen. Interesan los recursos pictóricos
.
.
 |
1934 Pierre
Bonnard-El comedor frente al jardín
|
Incorpora la influencia de Cezanne con los elementos del bodegón reducidos a formas geométricas.
Diferentes perspectivas para los objetos de la mesa. Variedad e puntos de vista tomada también de la pintura de Cezanne.
.jpg)
 |
| 1900 Pierre Bonnard- siesta |
 |
1910 Pierre
Bonnard-El mantel de cuadros rojos
|
 |
1906 Pierre
Bonnard - La carta
|
Intenso primer plano muy fotogénica. Una serie de cuadros de habitaciones, con mesas en un primer termino donde combina el bodegón con la figura humana. Es un estudio de composición.
 |
| 1908 Pierre Bonnard - Desnudo a contraluz |
Perspectiva forzada en el barreño
Cúmulo de elementos decorativos: luz, papeles pintados, cortinas…
Contraluz
Punto de vista bajo, monumentalizando
Cogida por sorpresa
Ha incluido el espejo, que ayuda a reforzar la idea de profundidad.
Edouard Vuillard (1868–1940)
Escenas muy similares, pero la mayor diferencia viene dada por el uso del color. Es más monacal, utiliza colores más apagados. Se mueve en una gama de marrones, ocres, combinados con el negro… aunque también es muy frecuente en el introducir algunos golpes intensos, violentos de un azul, un amarillo… la pincelada de Vuillard evoluciona desde los puntos, hacia las grandes superficies de color.
 |
1891 Edouard
Vuillard- El vestido de flores
|
Insiste en el decorativismo. Introduce el elemento disonante, el vestido que es el protagonista de la obra, con esa superficie plenamente decorada, pero también los fondos. De nuevo espejo para dar profundidad a la estancia.
 |
1892 Edouard
Vuillard- Mujeres junto a la lámpara
|
El tema ya lo hemos visto, siendo la lámpara también el eje de la composición. Colores más profundos, esos negros, esos marrones… en contraste con golpes de amarillo. Pero de nuevo lo que interesa son los recursos pictóricos.
 |
Edouard
Vuillard- 1892- El desayuno---
|
Interés muy degasiano de analizar y trabajar con ese contraluz de las figuras frente a la ventana, de analizar esos matices, esos cambios que proporciona la luz con un foco intenso a l fondo de la obra.
Decorativismo mas acentuado. Los elementos se confundes unos con otros, con una técnica mas minuciosa.
Nos describe a base de manchas de color un espacio. Incide en el decorativismo en las telas del sofá, de las alfombras… ocres, tonos dorados.
Golpes intensos de color. Temas en los que se representan personajes de la burguesía media. AL igual que los impresionistas. Pincelada muy suelta y donde además nos presenta toda esa galería de cuadros dentro de cuadro con ese sentido decorativo.
 |
Edouard
Vuillard- Mujer delante de la chimenea
|
 |
Edouard
Vuillard- El kimono
|
Otros Pintores:
 |
| Ker-Xavier Roussel- Les saisons de la vie |
