IMPRESIONISMO

POR ALFREDO LÓPEZ PERAL
Publicaciones sobre arte y pintura

Constituye el fenómeno más importante de la historia del arte después del Renacimiento. Esto es porque van a poner en tela de juicio las normas universalmente admitidas desde el siglo XV (Renacimiento). Sustitución de las normas y formas de pintar establecidas hasta el momento y admitidas por todos los pintores, planteando nuevas normas. Hasta estos momentos la pintura occidental era una pintura intelectual, el impresionismo apuesta por la pintura sensitiva y sensorial.

Características:

-Falta de unidad en el estilo de los pintores, es un grupo heterogéneo. Se subraya la importancia de lo individual más que lo colectivo. Por eso el impresionismo más que una escuela artística es una actitud ante el arte compartida por artistas franceses de final del siglo XIX. No conciben de la misma forma la técnica pictórica. En lo único que coinciden los impresionistas es en el rechazo de las normas. En lo que no se ponen de acuerdo es en la creación de un nuevo estilo.

Este distanciamiento y rechazo de las normas oficiales consagradas, se pondrá de manifiesto en que serán rechazados en los salones oficiales y por la sociedad del arte, en el origen del impresionismo se encuentra el Salón de los rechazados de 1863, pintores que no aceptan las normas.
-Interés por realizar su obra integral al aire libre. Monet: “Cuando llego a mi taller, creo entrar en la tumba”. Esto implicara que la ejecución de la obra sea rápida: se prestará más atención al conjunto que al detalle. El objetivo de los impresionistas era conseguir una representación del mundo espontánea y directa. Se quiere captar la impresión del momento: pincelada rápida y abocetada. Si es otro momento será otro cuadro. Importa el momento, no el antes ni el después, porque cambian las condiciones de luz y color. Por lo que se realizan series en las que solo varía el color por el efecto cambiante de la luz. Es lo más parecido a la fotografía instantánea hecha pintura.

-Empeño por captar los efectos de la luz y del color que desmaterializan las formas de la realidad. No les interesa tanto la forma de los objetos, sino como incide sobre ellos la luz y se transforma el color. Disolución de las formas por medio de la luz (Manet será el impresionista por excelencia).

-Empleo de la pincelada yuxtapuesta. Es una pincelada dividida, formando distintas manchas cromáticas que contempladas a cierta distancia se pueden recomponer las formas, en el ojo del espectador.

-Rechazo del realismo academicista: la línea, el volumen y el claroscuro no tienen ninguna importancia. Nueva valoración del espacio: se rechaza la perspectiva y la profundidad tradicional. Se usa una división de colores (fríos y cálidos) para componer el espacio. La idea de perspectiva estará ligada al color: colores cálidos acercan, los fríos alejan. Aunque no hay interés por crear una perspectiva exacta.

-Predilección por ciertos temas: Escenas de la vida urbana moderna, con especial atención a los espectáculos y a los paisajes. Ejemplo: cafés, cafés concierto, el teatro y la opera, el circo, el hipódromo, ocio y diversión al aire libre: parques, jardines, bosques…

Pintura costumbrista adaptada a la vida del siglo XIX. No hay grandes géneros de la pintura, son temas triviales. No hay temas religiosos, ni históricos.

-La segunda mitad del siglo XIX presenció importantes evoluciones científicas y técnicas que permitieron la creación de nuevos pigmentos con los que los pintores darían nuevos colores a su pintura, generalmente al óleo. Las sombras pasaron de estar compuestas por colores oscuros a estar compuestas por colores fríos o desaturados que, a la vez, creaban ilusión de profundidad. Del mismo modo, las luces pasaron de ser claras a ser saturadas y cálidas, resaltando del fondo. Podemos decir que, rompiendo con la dinámica clásica del claroscuro. Representación plástica de la vibración óptica de la luz.

Influencias notables:

-La teoría de las sensaciones de Locke: de aquí el rechazo del realismo clásico como culto a la materia y la búsqueda de una pintura más sensitiva que plasme la experiencia de las sensaciones visuales fugitivas.

-Las teorías ópticas de Chevreul y de Maxwell: de aquí que los colores no se obtengan por mezcla en la paleta sino por mezcla óptica en el lienzo, que se busque la exaltación de los colores complementarios y que se prescinda del negro (negación de la luz), todo ello para lograr colores limpios, luminosos y vibrantes. Las teorías de la descomposición de la luz al pasar por un espacio prismático. Usarán los colores claros en general y usaran los complementarios para causar diferentes efectos.

-La fotografía. En 1839 la fotografía pone de relieve otras posibilidades de representar la realidad. El empleo de la fotografía por parte de los pintores se dará en aspectos como el enfoque casual o inesperado. El desencuadre rompiendo con el encuadre tradicional, la realidad queda descentrada en muchos casos. Por ejemplo: Degas. Esto será algo novedoso. Desequilibrio de la composición: pueden aparecer personas cortadas. Enfoques osados y desconocidos hasta el momento.

Uso de picados y contrapicados, crean unas perspectivas arriesgadas para la época.

-La estampa japonesa. En la exposición de 1877 en París hubo una sección dedicada al arte japonés y oriental. Tuvo gran repercusión entre los artistas parisinos. El arte de Japón no se rige por las normas occidentales, del arte tradicional. Por eso los impresionistas, en su búsqueda de otras normas de representación de la realidad mirarán hacia el arte japonés.

¿En qué influye? En la temática: los temas cotidianos serán comunes en el arte japonés, serán cronistas de su época.

Gusto por las pinturas en series: muchos artistas harán series.

Economía de los medios para representar la escena.

Maestría para captar los momentos atmosféricos.

Escaso interés por la perspectiva.

Enmarque cronológico:

Aunque algunos historiadores dejan fuera de la clasificación de vanguardias al Impresionismo, fue el primer movimiento que se rebeló contra los gustos que imperaban en la época. En su caso, el Impresionismo no buscaba el rechazo del público, sino que se olvidaba de la acogida que pudiera tener su trabajo, en favor de una nueva manera de captar la realidad que tarde o temprano se acabaría reconociendo, como así fue. El precursor de este movimiento fue Eduard Manet. En su trabajo se puede apreciar el paso de la pintura tradicional al modo de hacer impresionista. Con el paso del tiempo Manet recurre a pincelada directa, con mucha carga, aunque nunca con tanta decisión como lo harían los siguientes autores impresionistas, todos ellos estudiosos, admiradores e influenciados por Manet. El grupo lo componía Degas, Renoir, Monet, Pissarro, Sisley y Cezanne.

El año 1863 se puede tomar como fecha de inicio de la pintura moderna. Es el año en que Manet pinta Almuerzo sobre la hierba, que se expuso en el Salón de los Rechazados. La obra poseía antecedentes del Renacimiento italiano en cuanto a temática, pero el modo de plantearlo causó escándalos, pertenece a un orden distinto, desconcertante por la evidente inmediatez con que se enfrenta al espectador. En ese mismo año se presentan 5000 cuadros, 3000 se rechazan. Los artistas quedan descontentos, de tal manera que Napoleon III para aplazar el descontento les concedió la posibilidad de crear una exposición alternativa. Manet, Pissarro, Cezanne… este salón es el germen de los impresionistas. Algunos de los pintores comienzan a reunirse en el café Guerbois, barrio de Batignolles. Allí se reunían para discutir y compartir ideas, no en las escuelas. Manet llevará la voz cantante, después se unió Degas. Va surgiendo esa conciencia de grupo, pero sufren un parón en 1870 por la guerra franco prusiana hasta 1871. Algunos marcharán o huirán a Londres… Cuando finaliza la guerra reanudan su actividad.

Edouard Manet . El Desayuno sobre la yerba, 1863

1874 ya existe conciencia de grupo y se manifiesta en la primera exposición impresionista, un grupo de pintores (Bazille, Cézanne, Monet, Pissarro, Degas, Morisot, Renoir y Sisley) ponen de manifiesto su voluntad colectiva de hacer un arte nuevo que rompa con el academicismo y la trivialidad artística imperante en la época.

Distinta a las oficiales: no hay jurados ni premios. Manet se negó a participar en ella, quería triunfar en el salón oficial. La exposición se celebro en el taller de Felix Nadar (fotógrafo). Fue un fracaso a nivel de cifras, la mayoría de las personas iban a reírse de ellos.

Levis Leroy era un crítico de Charivari y criticó el cuadro de Monet, “Impresión, sol naciente”. Esto es lo que él va a llamar peyorativamente a este grupo como impresionistas, término despectivo.

Claude Monet . Impresión, sol naciente 1873

Esto supone el inicio de los impresionistas como movimiento. Realizaron siete exposiciones más, en 1876, 1877 (que mostró el momento de mayor cohesión del movimiento), 1879, 1880, 1881, 1882 y en 1886. A lo largo de esos años dejaron el grupo algunos de los pioneros (Cézanne, Renoir, Monet, Sisley) y se incorporaron otros (Gauguin, Redon, Cassatt, Seurat, Signac).

El impresionismo se extendió rápidamente por muchos países europeos y también llegó a EEUU. En 1886 se realiza la última exposición impresionista como grupo, se da en Nueva York. Señala el final del impresionismo como grupo organizado, que daba síntomas de descomposición años atrás. Desaparece el impresionismo como grupo pero no como movimiento. Cada uno pintará individualmente. Dará paso a otros movimientos que encuentran su punto de partida en el impresionismo: neoimpresionismo, postimpresionismo…

Acabada la época del desarrollo del Impresionismo, y gracias a las nuevas tecnologías de impresión (especialmente influyente fue la fotografía y el descubrimiento de la cuatricromía, que conseguía infinidad de colores con la mezcla de los colores primarios), surge el Neoimpresionismo o puntillismo, llevado a cabo fundamentalmente por dos autores, Georges Seurat y Paul Signac. Aprenden la lección impresionista y la aplican de un modo más científico, más controlado, mucho menos espontáneo y fresco. La pincelada se hace corta, racional y estudiada.

Édouard Manet (1832-1883)

Nació en París, en una familia socialmente bien acomodada. Sus días escolares pasaron sin acontecimientos destacables y terminó su formación sin obtener la calificación necesaria para estudiar derecho, para decepción de su padre, que era magistrado. A los dieciséis años viajó a Río de Janeiro como marinero en prácticas, con intención de ingresar en la Academia Naval Francesa.

Cuando vio que su proyecto no tenía éxito decidió dedicarse al arte, pasando a su regreso, hacia 1850, entró como alumno de Thomas Couture, un pintor muy estrecho de miras como profesor. Allí estuvo durante casi seis años y, al mismo tiempo, pudo copiar en el Louvre cuadros no sólo de Tiziano y Rembrandt, sino también de Goya, Delacroix, Courbet y Daumier. De Couture aprendió que para ser un gran maestro hay que escuchar las enseñanzas de los que lo han sido en el pasado, pero por desgracia, Couture era un antirrealista fanático y convencido. Enfurecido por las mofas que Manet hacía con respecto al Premio de Roma, Couture le dijo que nunca llegaría a ser otra cosa que el Théodore Rousseau de su época. Después de esto, Manet hizo su propia síntesis personal de la historia de la pintura y de lo que podía aprender viendo grabados japoneses. Y es que el pintor fue siempre un extraño ecléctico.

Edouard Manet, Olimpia, 1863

Pero más escandalosa todavía fue la Olympia, pintada en 1863 pero no presentada al Salón hasta 1865, donde fue rechazada. Entre las razones por las que este cuadro iba a resultar chocante no son las menos importantes el hecho no sólo de que es una clara parodia de una obra renacentista, (la Venus de Urbino de Tiziano), sino también una flagrante descripción de los hábitos sexuales modernos.

Manet sustituye en él a una diosa veneciana del amor y la belleza por una refinada prostituta parisina. Pero lo que realmente desconcertó a los críticos de la época es que Manet no la sentimentaliza ni la idealiza, y Olimpia no parece ni avergonzada ni insatisfecha con su trabajo. No es una figura exótica o pintoresca. Es una mujer de carne y hueso, presentada con una iluminación deslumbrante y frontal, sobre la que el pintor muestra un perturbador distanciamiento que no le permite moralizar sobre ella.

Esta obra junto a “Desayuno sobre la yerba” entusiasmaron a los pintores más jóvenes por lo que suponían de observación directa de la vida contemporánea, por su naturalidad y por su emancipación técnica. Manet se convirtió así, casi sin quererlo, en el personaje principal del grupo que se reunía en el Café Guerbois, la cuna del Impresionismo.

Edouarrd Manet- Bar Folies-Bergere

Edouard Manet- La música en los jardines de las Tullerías en París-1862

Esta pintura fue la primera gran obra de Manet que representa la vida urbana moderna. La banda está tocando y una multitud de moda se ha reunido para escuchar. La imagen incluye retratos de amigos y familiares de Manet, Baudelaire; Théophile Gautier, Ignace Fantin-Latour; Jacques Offenbach; Eugène hermano del artista.

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)

Fue un pintor francés impresionista, que en la segunda parte de su carrera se interesó por la pintura de cuerpos femeninos en paisajes, inspirados a menudo en pinturas clásicas renacentistas y barrocas.

Renoir ofrece una interpretación más sensual del impresionismo, más inclinada a lo ornamental y a la belleza. No suele incidir en lo más áspero de la vida moderna, como a veces hicieron Manet o Van Gogh. Mantuvo siempre un pie en la tradición; se puso en relación con los pintores del siglo XVIII que mostraban la sociedad galante del Rococó, como Watteau.

En sus creaciones muestra la alegría de vivir, incluso cuando los protagonistas son trabajadores. Siempre son personajes que se divierten, en una naturaleza agradable. Se le puede emparentar por ello con Henri Matisse, a pesar de sus estilos distintos. Trató temas de flores, escenas dulces de niños y mujeres y sobre todo el desnudo femenino, que recuerda a Rubens por las formas gruesas. En cuanto a su estilo y técnica se nota en él un fuerte influjo de Corot.

Renoir posee una vibrante y luminosa paleta que hace de él un impresionista muy especial.

Pierre Auguste Renoir, Almuerzo de los remeros, 1881

Por esas fechas, aparece cada vez más frecuentemente en los dibujos y pinturas de Renoir el rostro de una joven de mejillas redondas y nariz ligeramente respingada. En ocasiones, el rostro se deja ver entre la muchedumbre de la Plaza Clichy, dejando una sensación de fugaz felicidad. Otras veces, su presencia se adivina en la imagen de la muchacha pelirroja leyendo, o bien en la flexible silueta de una joven subiéndose a una barca. En El almuerzo de los remeros de 1881, la joven aparece representada de perfil en la parte inferior izquierda del lienzo, con un sombrero adornado con flores a la moda y sosteniendo un pekinés entre ambas manos. Su nombre era Aline Charigot; en 1880 tenía 21 años. Auguste la conoció en la cremería de la señora Camille, frente a su casa, sobre la calle Saint-Georges. Aline vivía con su madre justo al lado y se ganaba la vida como costurera. La mutua atracción entre ellos era evidente. Jean Renoir afirmaba que su padre había comenzado a pintar a su madre mucho antes de conocerla.

Jean Auguste Renoir- Las grandes bañistas 1884-1887

En la vida artística de Auguste, la década de 1880 resultó agitada. En sus conversaciones con Ambroise Vollard, mencionaba aquella sensación de callejón sin salida que había surgido hacia 1883. "Hacia 1883, se había producido una fragmentación en mi obra. Yo había estado en torno al impresionismo y llegaría a esta constatación en que yo no sabría ni pintar ni dibujar. En una palabra, estaba en un callejón sin salida."

Su insatisfacción con respecto a la antigua manera impresionista llevó al pintor a adoptar un nuevo estilo. Deprimido, destruyó toda una serie de lienzos. En esta difícil etapa, Jean-Auguste-Dominique Ingres acudió en su auxilio. La obra de Auguste durante esta década se enmarca dentro de lo que comúnmente se conoce como el «período ingresco». Se trata de una tendencia perceptible en todos sus cuadros de esta etapa: un dibujo más limpio y un trazado de mayor precisión, con una clara plasticidad, así como el empleo de colores locales. De algún modo, esta tendencia se deja ver ya en El almuerzo de losremeros y aún más en Maternidad.

Pierre-Auguste Renoir- Baile en Le Moulin de la Galette 1876

Renoir en este cuadro representa un baile en el Moulin de la Galette, merendero popular del parisino barrio de Montmartre. Se ve la luz a través de los árboles, y se refleja en la ropa, en el primer plano, a la derecha abajo se ven unas diagonales creadas por unos bancos y una mesa donde están sentados amigos del pintor, casi en el centro se ve a una pareja que da la sensación de que toda la fiesta gira en torno a ellos, en uno de los bancos hay una señora y una niña, y en otro un hombre y una mujer, que no se sabe si están discutiendo o cortejándose, el movimiento que se ve en el cuadro, que da la sensación de que la gente está bailando, viene dado por la ondulación de las cabezas, se presentan naturalezas muertas, se destacan un jarrón y unos vasos sobre la mesa, tiene influencias de la fotografía, ya que corta los cuerpos.

Oscar-Claude Monet (1840-1926)

Fue un pintor francés, uno de los creadores de la pintura impresionista. El término impresionismo deriva del título de su obra Impresión, sol naciente (1872).

Sus primeras obras, hasta la mitad de la década de 1860, son de estilo realista. Monet logró exponer algunas en el Salón de París. A partir del final de la década de 1860 comenzó a pintar obras impresionistas. Esta desviación del gusto de la época, que era marcado por las academias de arte, empeoró su situación económica a la vez que afianzó su decisión de continuar en ese azaroso camino.

En la década de 1870 formó parte de las exposiciones impresionistas en las cuales también participaron Pierre-Auguste Renoir y . Su obra Impresión, sol naciente formó parte del Salon des Refusés de 1874. Su carrera fue impulsada por el marchante Paul Durand-Ruel, pero a pesar de esto su situación financiera permaneció siendo difícil hasta mediados de la década de 1890. En esta época, Monet desarrolló el concepto de las «series» en las que un motivo es pintado repetidas veces con distinta iluminación. Al mismo tiempo comenzó a trabajar en el famoso jardín de su casa en Giverny con estanques de nenúfares que luego utilizó como motivo para sus pinturas.

Claude Monet, Serie Catedral de Ruán. 1894

Claude Monet- Saint-Georges majeur au crépuscule

Claude Monet Estanque con nenúfares (1899)

Edgar Degas (1834-1917)

Artista francés reconocido mundialmente por sus pinturas, esculturas, gradados y dibujos. Se le es reconocido por sus representaciones de bailarinas de ballet por su capacidad de proyectar el movimiento dentro de sus pinturas. Es considerado como uno de los fundadores del impresionismo, aunque Degas rechazaba el nombre y prefería llamarlo Realismo o arte realista. Degas es considerado uno de los más destacados dibujantes en la historia en cuanto al dominio de la representación del movimiento dentro de sus pinturas, especialmente dentro de sus obras de bailarinas, carreras de caballos y desnudos. Los retratos realizados por Degas han sido descritos como memorables debido a su complejidad psicológica y por su capacidad de proyectar la soledad humana dentro de sus pinturas.

Técnicamente, Degas difiere de los impresionistas ya que el “nunca adoptó la técnica de mancha y color", y constantemente menospreciaba su práctica de pintura. De acuerdo con una historiadora de arte, Carol Armstrong, Degas era un anti-impresionista que criticaba a menudo las obras que seguían dicho movimiento. Tal y como el mismo Degas llegó a explicar “Ningún arte fue nunca menos espontáneo que el mío. Lo que hago es el resultado de un reflejo y del estudio de grandes maestros; de inspiración, espontaneidad, temperamento, yo no sé nada." Sin embargo, el tipo de arte de Degas se apega mucho más al impresionismo que a cualquier otro movimiento artístico. Sus escenas sobre la vida parisiana, la composición y sus experimentos con ambos el color y la forma; sin mencionar su cercanía con varios notables artistas impresionistas como Cassatt o Manet; relacionan indudablemente a Degas con el movimiento Impresionista.

Edgar Degas- At the races before the start

A finales de la década de 1860, Degas cambia las inclinaciones históricas de sus pinturas y comienza a dedicarse a la observación de la vida contemporánea. Las escenas de carreras de caballos le permitieron estudiar sobre el movimiento de los caballos y los jinetes dentro de un contexto moderno. Eventualmente comenzó a pintar mujeres trabajando como modistas o lavanderas.

Edgar Degas- Clase de danza 1873-1875

Mlle. Fiocre en el Ballet La Souce, exhibida en el Salón de 1868, fue su primer gran obra que introduciría un nuevo tema con el que se le identificaría particularmente: bailarinas.

En varias de sus pinturas subsecuentes, Degas retrató bailarinas ensayando o preparándose tras bambalinas, enfatizando su estatus de profesionales haciendo su trabajo. A partir de 1870, las obras de bailarinas aumentaron considerablemente, en parte por la necesidad de pagar las deudas de su hermano que habían dejado a la familia en bancarrota y las pinturas de bailarinas vendían bien. Degas comenzó de igual manera a retratar en cafés, como lo son sus obras L’Absinthe y Cantante con un guante. A menudo sus pinturas insinuaban un contenido narrativo de una manera altamente ambigua; por ejemplo ”Interior”(también referida como “La violación”) la cual ha presentado una intriga dentro de varios historiadores quien han buscado por varios años una referencia literaria detrás.

Al cambiar sus obras, Degas cambia de igual manera su técnica y su estilo. La paleta de colores opacos, que surgieron bajo la influencia de la pintura holandesa, fue remplazada por colores mucho más vivos y pinceladas mucho más marcadas. La falta de color en Ensayos de ballet (1876) e Instructor de ballet señala un posible cambio de su técnica influenciado por su interés en la fotografía. Los cambios de paleta, la técnica de pinceladas y el tipo de composición fueron evidencia de la influencia de la fotografía y del movimiento impresionista en Degas.

Edgar Degas- Woman in the Bath, 1886

En la década de los 80, empezó a dibujar y pintar a mujeres haciendo actividades cotidianas: una mujer bañándose (Después del baño, una mujer secándose), otra peinando su cabello, otra bañándose, etc. Las pinceladas que configuraban la forma muestran mucha más libertad que en sus obras anteriores y los fondos se vuelven cada vez más simplificados.

El meticuloso naturalismo de su juventud llevó a una creciente abstracción de las formas. A excepción de su característica brillantes como dibujante y su obsesión con la forma, las pinturas que realizó durante estos años son muy poco parecidas a sus pinturas anteriores. Irónicamente, dichas pinturas son las que mayormente aplican las técnicas coloridas del impresionismo.

Alfred Sisley (1839-1899)

De padres ingleses, fue enviado a Inglaterra para aprender el idioma y realizar estudios de comercio, contrarios a sus deseos artísticos. Era muy aficionado de la pintura e ingresa en el estudio de Charles Gleyre donde conoce a Pierre-Auguste Renoir y Frédéric Bazille.

La guerra franco-prusiana de 1870 arruinó a su familia y obligó a Sisley a marchar a Londres. Decide entonces ser pintor. En 1874 expuso en la primera exposición de los impresionistas y lo continuaría haciendo en 1876, 1877 y 1882.

Sisley fue eminentemente un pintor paisajista, que se distinguió de sus colegas impresionistas por la decisiva intervención en sus cuadros de los elementos más imponderables: el agua, la nieve, el cielo, la niebla, de tal forma que ha sido considerado, junto a Monet, como uno de los impresionistas más puros. Entre 1872 y 1880 realizó lo mejor de su producción: paisajes de gran espontaneidad de los alrededores de París, de Marly, Louveciennes, Bougival, Sèvres, Saint-Cloud o Meudon. Paisajes soleados que contrastan con sus célebres inundaciones de Marly, en las que no pierde igualmente su connotación intimista y poética.

Nunca alcanzó el renombre de la mayor parte de sus compañeros impresionistas y vivió en la miseria a partir del momento en que dejó de recibir la ayuda económica de su acomodada familia. Esta situación se produjo a causa del hundimiento del negocio familiar en 1871.

Falleció como había vivido, en la pobreza, antes de poder contemplar como sus cuadros, que en angustiosos momentos de penuria había vendido a precios irrisorios, al poco de su muerte comenzaban a ser apreciados por la crítica y el público, y alcanzaban elevadas cotizaciones en el mercado artístico.

Alfred Sisley - Un sentier aux Sablons

Alfred Sisley- Snow-effect-at-veneux-1884

Camille Pissarro (1830-1903)

Fue un pintor impresionista, y se le considera como uno de los fundadores de ese movimiento.

Se le conoce como uno de los "padres del impresionismo". Pintó la vida rural francesa, sobre todo los paisajes y las escenas en los que aparecían campesinos trabajando, pero también escenas urbanas en Montmartre. En París tuvo como discípulos a Paul Cézanne, Paul Gauguin…

Pissarro fue asimismo un teórico de la anarquía, y frecuentó con asiduidad a los pintores de la Nueva Atenas que pertenecían a ese movimiento. Compartió esa posición con Gauguin, con quien luego tuvo relaciones tensas.

Camille Pissarro- Sunset, Bazincourt Steeple

Camille Pissarro- Children on a Farm, 1887

Joaquín Sorolla y Bastida (1863-1923)

Fue un pintor español muy prolífero, que dejó más de 2200 obras catalogadas. Su obra madura ha sido etiquetada como impresionista, postimpresionista y luminista.